Stefano Bertelli analiza su ópera prima ‘Spacetime Chronicles’

Después de muchos años trabajando en videos musicales (con clips para Eminem, Pink Floyd, Robbie Williams, Amy Lee, Lindsey Stirling, Sebastián Yatra y la banda de Zooey Deschanel, She & Him), y más de 10 años dedicados específicamente a la animación en papel, el director italiano Stefano Bertelli sintió que era hora de dejar de crear sólo para otros y de hacer proyectos por encargo y comenzar a hacer lo que él llama “proyectos profundamente personales”.

“Spacetime Chronicles” definitivamente encaja en esa categoría. Esta película de 71 minutos que marca el debut cinematográfico de Bertelli (anteriormente dirigió un largometraje de animación en papel, pero se refiere a él más como una prueba o un proyecto de entrada), “Spacetime Chronicles” es un viaje visual a través de la mente de Fred, perdido en el limbo, guiado por un gato que actúa como su conciencia.

Una historia surrealista y onírica que sigue el viaje interior de un hombre, suspendido entre la realidad y el espacio onírico, hizo que el director artístico de Annecy, Marcel Jean, elogiara “su estilo surrealista, junto con su enfoque de bricolaje que recuerda a Michel Gondry y sus películas de ensueño”. Basándose en el bricolaje, este stop-motion artesanal es, según Jean, “una auténtica obra maestra técnica”.

Asumido por Urban Sales, con sede en París, antes de Annecy, es uno de los títulos más llamativos de la selección de Contrechamps en el festival de este año. Antes del evento, Variedad habló con Bertelli sobre la creación de esta característica singular.

¿Cómo abordaste este proyecto de largometraje, íntegramente animado en stop-motion?

El stop motion en sí siempre ha sido parte de mí desde mi primer cortometraje, “Rapid Eyes Movements”, allá por 1999. Pero el mundo del papel (la construcción de escenarios y entornos completos de papel) realmente comenzó para mí alrededor de 2014.

Siempre me ha gustado el cine independiente de los años 1990 y principios de los 2000, películas como “Donnie Darko”, “Clerks”, “Memento” y “Enter the Void” de Gaspar Noé, así como los vídeos musicales de Michel Gondry, y siempre me han atraído las narraciones psicológicas y de autor, las películas que entran directamente en la mente de un personaje.

El origen de “Spacetime Chronicles” en realidad provino de un video musical que dirigí para Camel Power Club. La imagen central era un avión de pasajeros, algo que, como la vida misma, experimenta altibajos y turbulencias. El concepto también estaba relacionado con mi fascinación por las investigaciones, especialmente las series documentales centradas en accidentes aéreos y misterios de la aviación.

A partir de ese vídeo musical, el proyecto evolucionó primero a un cortometraje y luego poco a poco a un largometraje, aunque al principio todavía no tenía un guión completo. Gran parte de la historia tomó forma progresivamente durante la propia producción.

¿Puedes explicarnos más detalladamente la técnica en papel que elegiste para crear esta función? ¿Cómo se conecta esto con su narrativa?

Cuando comencé a trabajar en “Crónicas del espacio-tiempo”, una de las primeras preguntas que me hice fue: ¿por qué papel? No bastaba con que fuera simplemente mi estilo visual habitual. Incluso para alguien que no conoce mis antecedentes, la película necesitaba justificar esta elección por sí sola.

Con el tiempo me di cuenta de que el papel reflejaba naturalmente la inestabilidad de los personajes y del mundo que los rodeaba. Puede doblarse, rasgarse, quemarse y colapsarse muy fácilmente, y esa vulnerabilidad se convirtió en parte de la propia narración.

Al mismo tiempo, el papel tiene algo directo y esencial. Reduce las imágenes a formas simples, sin que el realismo llegue a ser demasiado dominante. Esa simplicidad fue importante porque la película trata temas como la memoria, la identidad, la incertidumbre y la idea de que la vida cambia constantemente y es imposible de controlar por completo.

Incluso la atmósfera de la música sigue esta dirección: la sensación de algo suspendido entre el cielo y la tierra, íntimo pero también infinito, como un mundo de papel que podría desaparecer en cualquier momento.

¿Qué desafíos implicó esta animación stop-motion en papel?

La principal dificultad fue exactamente la fragilidad que mencioné antes, porque esa fragilidad crea constantemente limitaciones técnicas. El papel no es maleable como la arcilla: es rígido, se dobla con facilidad y sus movimientos son mucho menos naturales, especialmente cuando se trabaja con objetos tridimensionales.

Con el tiempo desarrollé diferentes técnicas para superar estos límites. En muchos casos utilizo secuencias de modelos construidos uno a uno para simular el movimiento, o trabajo con cámara extremadamente lenta y enfoques que no están estrictamente conectados con la animación stop-motion tradicional. Al final, la película es también una mezcla de toda mi experiencia previa en producción de vídeo.

Otro aspecto complejo no sólo fue la animación en sí, sino también la construcción de los decorados. Muchos entornos eran grandes estructuras construidas como bloques individuales, como el interior del avión. Para respaldarlos necesitábamos estructuras internas sólidas junto con todos los sistemas técnicos ocultos detrás de ellos: motores paso a paso, robótica, cableado LED y sistemas mecánicos utilizados para ayudar a ciertos movimientos animados.

En este proceso, Riccardo Orlandi fue fundamental. Conocí a Riccardo durante una de mis primeras películas de terror amateur a principios de la década de 2000. Fuimos completamente autodidactas, como muchos jóvenes que se inician haciendo películas de terror con amigos haciéndose pasar por actores. Aparte de una cámara, básicamente no teníamos ningún equipo. Riccardo inmediatamente se volvió muy importante. Todavía lo recuerdo construyendo una plataforma rodante casera usando láminas de metal y una patineta para crear movimientos de cámara cinematográficos. Continuamos nuestra colaboración y posteriormente fundamos nuestra propia productora, Seenfilm.

Desde entonces siempre hemos trabajado juntos y él desarrolló una gran experiencia porque constantemente nos encontrábamos lidiando con situaciones que nunca antes nos habíamos encontrado. Él es mi socio creativo en la película, pero nuestra colaboración se remonta a mucho antes, a los años en que trabajábamos juntos en escenarios de acción real.

En cierto modo, Riccardo representa el lado más analógico del proyecto, mientras que yo estoy más conectado con el lado tecnológico: cámaras, computadoras y herramientas digitales. Pero en realidad nos ayudamos en todo. Somos sólo dos personas, pero muy coordinadas.

¿Cuánto tiempo te llevó producir esta pieza, cuántas hojas de papel usaste y recuerdas cuántos petardos disparaste para tus explosiones?

Me llevó alrededor de cuatro o cinco meses completar la película, aunque no de forma continua, porque durante ese período también estuvimos trabajando en vídeos musicales y otros proyectos por encargo.

Sinceramente, no podría decir exactamente cuánto papel se utilizó. En este punto pedimos materiales constante y regularmente, por lo que es difícil hacer un seguimiento, pero si tuviera que estimar, probablemente varios miles de hojas en formato de 100×70 cm (39×27 pulgadas).

Cuando decidí introducir la cámara extremadamente lenta en la película, una de las primeras ideas estaba relacionada con las explosiones: algo extremadamente rápido y violento que de repente podía congelarse en el tiempo.

Pero probablemente las escenas que más satisfacción me dieron son las del interior del avión mientras vuelca: objetos volando por la cabina, la luz entrando por las ventanas y creando sombras realistas en los interiores. En esos momentos la película casi parece real, aunque todo esté hecho enteramente de papel. Este enfoque con cámara lenta también le dio a la película una calidad más dramática.

¿Cómo ha conectado esta película con el público hasta ahora? ¿Qué comentarios has recibido?

Hay un episodio del estreno en Bruselas que todavía me hace sonreír. Yo estaba sentado de forma anónima en las últimas filas, exactamente como quería estar. Al final de la proyección, todos salían de la sala con una pequeña tarjeta de papel que servía para calificar la película del uno al 10. Cerca de la salida, en un rincón poco iluminado, había una pequeña mesa donde la gente se detenía para llenarlas. En un momento me di cuenta de que un hombre tomaba un bolígrafo y comenzaba a escribir su voto. No pude resistirme. Lentamente me acerqué cada vez más, casi acercándome a ese pequeño trozo de papel. Finalmente vi la puntuación: 10 sobre 10.

En ese momento estaba tan cerca que el hombre inevitablemente se volvió hacia mí con una mirada sospechosa. Lo miré emocionado y simplemente dije: “Gracias”. Entonces ambos nos echamos a reír. Precisamente por eso prefiero que la gente no sepa que estoy en el teatro. Quiero ese tipo de reacción: espontánea, instintiva, sin filtros.

¿Qué es la animación para ti como medio?

No soy un fanático de la animación en el sentido estricto del término. Amo el cine en un sentido más amplio: películas independientes, documentales. Las obras animadas que realmente se quedaron conmigo son principalmente películas de autor: Hayao Miyazaki, por supuesto, pero también “Vals con Bashir”, “Persépolis” y “A Town Called Panic”. Películas que utilizan la animación no como un género, sino como una necesidad, como única forma posible de expresar una determinada idea.

Vengo de acción en vivo y videos musicales. En cierto momento, los presupuestos se volvieron tan limitados que ya no me sentía capaz de expresarme adecuadamente. No me refiero sólo al dinero: me refiero al espacio mental. Algunas ideas son caras por naturaleza y, en el mundo de los vídeos musicales, incluso lograr una buena calidad visual en el set ya requiere un presupuesto medio a alto, y mucho menos intentar algo narrativamente ambicioso.

Entonces decidí construir mi propio mundo de papel. Un mundo donde puedo desarrollar cualquier idea, siempre que respete sus normas internas. La animación me dio exactamente eso: una libertad que el mundo real nunca me habría permitido tener.