Magia, maestría y poder magistral: las 10 mejores grabaciones de Sonny Rollins | sonny rollins

Tenor Madness (publicado en Craft/OJC, 1956)

Sonny Rollins, de 30 años, ya había dejado su huella única con Miles Davis y Thelonious Monk cuando terminaron estas sesiones de 1956, apenas un año después de la muerte del revolucionario del saxo bebop Charlie Parker, pero conectarse con su contemporáneo y admirador John Coltrane ocurrió por casualidad en la búsqueda del título del álbum por el blues de dos tenores. En un animado set con la sección rítmica del día de Miles Davis (Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo, Philly Joe Jones a la batería), la inventiva insaciable del líder estaba en pleno flujo en Paul’s Pal y The Most Beautiful Girl in the World.

Saxofón gigante (Prestige, 1957)

El primer contacto de este escritor con la música de Sonny Rollins no se produjo a través de la música, sino de las palabras: la evocadora y poética reseña de la escritora neoyorquina Whitney Balliett del Saxophone Colossus de 1957 de Sonny Rollins, en la que se refirió al estilo de improvisación divagante y risueño del saxofonista que surgió de la imaginación del jazz para emular el de Charlie Parker. Rollins contó con la colaboración en este set clásico del pianista Tommy Flanagan, el bajista Doug Watkins y el baterista pionero del bebop Max Roach. El calipso de St. Thomas fue el pilar de Rollins a lo largo de su carrera, pero las largas improvisaciones de Blue Seven esbozaron nuevos parámetros sobre cómo las variaciones en el momento de fragmentos temáticos simples podrían redefinir las generaciones futuras de música de jazz.

Way Out West (Contemporáneo, 1957)

Cuando el músico de jazz británico Courtney Pine se estaba desarrollando como saxofonista adolescente a principios de los años 80, recuerda que la grabación de Way Out West de Sonny Rollins de 1957 fue una gran inspiración. El formato era uno de los favoritos de Rollins en sus primeros años: un exigente arreglo de improvisación de saxofón con solo bajo y batería de acompañamiento, y con un compañero desconocido de la costa oeste aquí. Rollins sacó a la luz su inclinación única por las melodías cursis y cambiantes (especialmente I’m an Old Cowhand), y con el gran bajista Ray Brown y la baterista de la “escuela genial” Shelly Manne, produjo un clásico de la improvisación, especialmente en Come, Gone, que rivaliza con Blue Seven de Saxophone Colossus en inventiva.

Una velada en Pioneer Village (Blue Notes, 1957)

Las grabaciones en vivo de Rollins no representan gran parte de su genio al aire libre, pero esta música del Village Vanguard de Nueva York tiene un gran impacto. Liberado de las progresiones de acordes por la ausencia de un pianista, estaba en su mejor momento junto al sólido bajista Wilbur Ware y al futuro legendario baterista de Coltrane, Elvin Jones, cuya latitud rítmica coincidía con el fraseo impetuoso del propio Rollins. Los más notables son el poderoso Old Devil Moon, dos versiones Softly, como en Morning Sunrise, y el blues original Sonnymoon for Two del saxofonista, muy versionado.

Suite Libertad (Riverside, 1958)

Rollins nunca fue un compositor nato; al igual que Miles Davis, prefería canciones que pudieran esbozarse en el reverso de un sobre. Pero Freedom Suite representa un cambio interesante para él, provocado por el clima político de las relaciones raciales y los derechos civiles en Estados Unidos a finales de la década de 1950, y su impacto en la música afroamericana. Rollins se asocia aquí con la sección rítmica de primer nivel del bajista Oscar Pettiford y el baterista Max Roach. El saxofonista es especialmente fuerte en la canción principal de 19 minutos, expresando sus sentimientos sobre cuán estructurada y contundente puede ser una improvisación a partir de ingredientes mínimos.

El Puente (RCA, 1962)

Rollins se tomó un descanso creativo entre 1959 y 1961, y su regreso se produjo con The Bridge, llamado así por el excéntrico refugio que encontró: practicar solo en el puente Williamsburg de Nueva York, con solo trenes que pasaban como compañía. Regresó al estudio en 1962 en otro entorno poco común, pero diferente, con su línea melódica dominante ahora eclipsada por la del guitarrista Jim Hall, un movimiento original con facilidad entre roles rítmicos, armónicos y melódicos, un ajuste perfecto para el paisaje sonoro más amplio del jazz abierto por Ornette Coleman. Rollins suele estar callado en este set, pero aun así es apasionante, especialmente en la inquietante historia de God Bless the Child.

En vivo en casa de Ronnie Scott (Gearbox Records; grabado en enero de 1965)

Las visitas de Rollins como solista a los clubes de Ronnie Scott en Londres a finales de los años 50 y principios de los 60 introdujeron su deslumbrante magia al público británico y también ayudaron a revivir la confianza de la escena local en un momento en que el jazz europeo estaba cada vez más liberado de Estados Unidos. En este viaje, Rollins desarrolló una relación cercana con el pianista londinense Stan Tracey, un artista que tenía una extraña inclinación por soltar de repente acordes crujientes o contrapuntos torcidos de la nada. Con Tracey, el bajista Rick Laird y el baterista Ronnie Stephenson, es un ejemplo muy íntimo de cómo era un show de Rollins, lejos de cualquier sala de conciertos, en ese momento.

Días claros, noches estrelladas (Hitos, 1984)

A partir de la década de 1980, Rollins se instaló en un flujo de conciertos predecible – con sus estrictos estándares de improvisación – y a menudo cautivó a audiencias nuevas para él. Sunny Days, Starry Nights lo mostró junto a los colegas que regularmente lo acompañaron en el escenario por el resto de su vida, incluido el empático trombonista Clifton Anderson y el pianista Mark Soskin. En sus shows finales de su carrera, Rollins suele ser más amable que impactante, pero siempre puede sumergirse en el mundo de su propio sonido, como lo hace aquí en I’ll See You Again, Kilauea y el calipso Mava Mava.

Esto es lo que hago (Milestone, 2000)

La mejor y más afectuosa manifestación en primer plano del genio de Sonny Rollins cuando llega a los 70 años. También estuvieron presentes compañeros saxofonistas posteriores, al igual que uno de los mayores pioneros de la batería del jazz contemporáneo, Jack DeJohnette, quien concibió muchas de las innovaciones rítmicas impulsadas por la música durante cinco décadas. DeJohnette toca aquí en cuatro de las seis canciones, pero la voz audaz y apasionada de Rollins es la firma personal del álbum del 2000, en su distintiva pero siempre encantadora mezcla de calipso, blues, casi gospel y un tributo especial a Billie Holiday en A Nightingale Sang in Berkeley Square.

Sin canciones: Concierto del 11 de septiembre (Milestone; grabado en 2001)

Sonny Rollins y su esposa, Lucille, vivían cerca del World Trade Center, presenciaron su colapso el 11 de septiembre y tuvieron que evacuar su apartamento poco después. Cuatro días después, el saxofonista interpretó y grabó esta evocadora sesión con sus compañeros habituales de la Berklee School of Music de Boston, entre la que destaca una preciosa interpretación de Why Was I Born? La actuación ganó un premio Grammy en 2006 por solo instrumental de jazz.