Las mejores películas de 2026 hasta ahora

Hay películas de recuerdos (piensa Roma, Los Fabelman), y luego está el primer largometraje de la escritora y directora canadiense Sophy Romvari, que retrocede hasta un verano fatídico para una niña de ocho años llamada Sasha (Eylul Guven). Estamos a mediados de la década de 1990 y su familia está tratando de instalarse en su nuevo hogar en la isla de Vancouver; El hecho de que su hermano adolescente mentalmente inestable (Edik Beddoes) se esté volviendo más violento y volátil no facilita la adaptación. Hacia la mitad del camino, la historia cambia a una cineasta (Amy Zimmer) que tiene más que un parecido pasajero con Romvari, y que casualmente está haciendo una película sobre la forma en que su hermano autodestructivo destrozó lentamente a la familia. Las presunciones metaficcionales nunca empañan lo que es claramente una historia personal para su creador en más de un sentido. Y apenas Romvari ha trazado este salón de espejos, da un gran golpe emocional al literalizar la idea de consolar a su niño interior. Vea esto lo antes posible.

Mire, hubiéramos sido perfectamente felices si Steven Soderbergh simplemente nos hubiera dado una sólida película de robo de arte protagonizada por Michael Coel e Ian McKellen. Sin embargo, su drama melancólico y más meditativo de lo habitual sobre un joven artista contratado para encontrar, robar y “terminar” algunas obras inacabadas de un pintor controvertido va más allá y ofrece una pieza pensativa sobre el bloqueo creativo, la carga de los legados y cómo la ansiedad de la influencia puede ser una bendición en lugar de una carga. Y la dinámica fría y caliente entre sus estrellas, con McKellen en modo de viejo cascarrabias y Coel ofreciendo una contraparte fría y distante, encaja perfectamente con el tono específico del guión de Soderbergh y Ed Solomon.

Se podría haber supuesto que Baz Luhrmann había sacado a Elvis de su sistema con su película biográfica de 2022 sobre el Rey del Rock & Roll. Pero después de encontrarme con cajas y cajas de material filmado originalmente para dos películas del concierto de Presley… Elvis: Así son las cosas (1970) y Elvis de gira (1972): comenzó a elaborar un documental de formato libre que haría un buen uso de estos fragmentos invisibles de la residencia de King en Las Vegas. Y como el director maximalista se rige por el lema “hazlo a lo grande o vete a casa”, iba a ampliar todo y mostrarlo en IMAX. El resultado parece ser más que una simple pieza complementaria o una característica adicional en DVD de la película anterior de Luhrmann. Más bien, es un correctivo a la noción de que los años setenta no fueron más que la era de “Elvis Gordo”, y un recordatorio de lo singularmente eléctrico que era Elvis. Se podría pensar que IMAX se inventó solo para esto, dado que la presentación más grande que la vida es exactamente el tipo de exhibición más grande que la vida del cantante merece.

El concepto es simple: estás caminando por un pasillo del metro de Tokio. Notas todo lo que te rodea, desde carteles publicitarios hasta un compañero de viaje que pasa. Después de doblar una esquina o dos, te encuentras en el mismo pasillo, pero si notas alguna “anomalía”, como un cartel diferente o una puerta adicional, regresa. Si todo está exactamente igual que la primera vez, continúa. Haga esto con éxito ocho veces y podrá salir del edificio. El juego de culto japonés de 2023 no grita exactamente “adaptación cinematográfica” cuando lo juegas, pero el director Genki Kawamura no solo captura la sensación de pánico existencial y la flexión de los músculos deductivos. También construye una parábola sobre la ansiedad de los padres y el peligro de tomar malas decisiones, dentro y fuera de esta extraña prisión, mientras pone a prueba a su héroe, el “Hombre Perdido” (Kazunari Ninomiya). Es divertido, elegante, espeluznante y extrañamente conmovedor, en todos los lugares correctos.

El cineasta filipino y leyenda del cine lento Lav Diaz no elogia a Fernando de Magallanes, el explorador del siglo XVI que cruzó el Pacífico. Está aquí para enterrarlo, o al menos, junto con su colaborador Gael García Bernal, para clavar una estaca en el corazón del mito del colonialismo como salvación que él personificaba. Menos una película biográfica sobre el capitán de barco portugués que un informe policial de crímenes históricos cometidos contra comunidades indígenas, la lánguida mirada retrospectiva de Díaz con ira se concentra en los últimos años de la vida de Magallanes, con especial atención a su campaña para imponer el cristianismo a los residentes nativos de la isla de Cebú en Filipinas. Bernal interpreta al explorador como un cruce entre el coronel Kurtz y un policía de Keystone, desmentiendo cualquier noción heroica en torno al aventurero que dejó docenas de cuerpos a su paso. Mientras tanto, Díaz sigue afilando sus hachas hasta que llega el momento de blandirlas en serio. Así es como se ve el austero arte de protesta.

Ambientado en la Nigeria de 1993, el drama de Akinola Davies Jr. sigue a dos hermanos preadolescentes (Godwin Egbo, Chibuike Marvelous Egbo) que realizan un raro viaje desde la zona rural de Nigeria a Lagos con su padre (Sope Dirisu) mientras intenta cobrar los pagos atrasados. En el transcurso de un día, llegan a conocerlo de una manera que les abre los ojos sobre las largas ausencias de su padre en casa. Sin embargo, la agitación que rodea a la elección presidencial del MKO Abiola está a punto de llegar a su punto máximo. En parte una especie de película de recuerdos (incluso si no sabías que el director la escribió con su hermano, o que uno de los niños comparte su nombre, se siente dolorosamente personal) y en parte una historia sobre la mayoría de edad que enmarca los trastornos históricos a través de los ojos de los niños, es una introducción a un talento importante.

El El éxito sorpresa de 2026 realmente vale la pena, y puedes ver por qué estalló una guerra de ofertas por el largometraje destacado del escritor y director Curry Barker después de su estreno en el festival de cine de Toronto el año pasado. Es una vuelta de tuerca al viejo cuento de cuando le pides un deseo a la pata de un mono: un niño (Michael Johnston) está perdidamente enamorado de una niña (Inde Navarrette). Preocupado por estar atrapado en la zona de amigos, compra un artículo en una tienda de curiosidades que aparentemente hará realidad su sueño del amor verdadero. No funciona sabiamente pero sí demasiado bien. Forma, forma demasiado bien. Barker se toma su tiempo con la cuerda, lo que sólo hace que el eventual cambio a velocidad alta sea mucho más impactante. Queda por ver si esto inicia o no una nueva ola de películas de género de Generation YouTube, pero la película de terror de Barker ya es el tipo de atracción que sugiere que hay una audiencia hambrienta de voces originales dispuestas a ir más allá. Solo ten cuidado con lo que deseas.

Finalmente, un éxito de taquilla que sabe cómo equilibrar el espectáculo de ciencia ficción y el compromiso emocional de la vieja escuela de una manera que te hace pensar que 1985 nunca terminó. Los directores Phil Lord y Christopher Miller (La película LEGO) adapta la novela de Andy Weir sobre un profesor de ciencias llamado Ryland (Ryan Gosling) que se despierta en una nave espacial a años luz de la Tierra. Este reacio astronauta era parte de una tripulación de tres personas enviada a los confines de la galaxia para descubrir qué está matando lentamente a nuestro sol; ahora es lo único que se interpone entre la salvación de la humanidad y una perdición segura. Por suerte, se topa con un extraterrestre hecho de rocas llamado ¿qué más? — Rocky y los dos combinan esfuerzos para salvar el universo. Es una maravilla, en gran parte gracias a la capacidad de Gosling para saltar, deslizarse y rebotar hábilmente en todo lo que la película le arroja. Comedia absurda escandalosa, sentimentalismo absoluto, acción de suspenso y supervivencia, drama de vida o muerte, filosofar acariciando la barbilla, la necesidad de vincularse con un amigo de los escombros de otro mundo: él puede manejarlo todo. Es un auténtico vehículo estrella en más de un sentido.

Filmado en magnífico blanco y negro y desarrollado como una tarde de domingo después de la iglesia y antes de la cena, el debut de Brittany Shyne narra la vida cotidiana de los agricultores negros modernos, que trabajan la tierra y tratan de mantener su sustento agrario en el siglo XXI. El ambiente no es ni sombrío ni ciegamente optimista, incluso cuando la película celebra el sentido de familia y comunidad entre estos sureños (y critica a la administración Biden por la política racial desequilibrada que implica el pago oportuno de los subsidios). En cambio, Shyne observa a los hombres en el trabajo y en casa, dándoles la oportunidad de contar sus historias, expresar sus ansiedades sobre la herencia generacional o simplemente dejar que las tomas largas y silenciosas de ellos ocupándose de sus asuntos hablen de la forma en que han soportado. Es una obra de activismo político a través del puro lirismo.

El cineasta israelí Nadav Lapid siempre ha mirado críticamente las posturas políticas y las políticas sociales de su país (ver: Policía, Rodilla de Ahed, Sinónimos… toda su filmografía, de verdad. Lo último que ha hecho no le ha hecho ganar precisamente amigos en su país de origen. Un compositor (Ariel Bronz) y su esposa (Efrat Dor) disfrutan de todos los placeres hedonistas disponibles para la élite de la nación. Cuando le piden que escriba un himno que ensalce la superioridad moral de la nación, acepta el trabajo. Pronto, la combinación de ese encargo y la reconexión con un antiguo socio musical/amigo con beneficios (Naama Preis) genera una grave crisis de fe. Es una película de grito enojado al vacío, y una que se enfurece contra la normalización de las atrocidades diarias y el aumento del número de muertes que suenan a todo volumen en los teléfonos de las personas. Ni siquiera las primeras escenas gonzo de sexo, drogas y batallas de baile pueden atenuar el dolor.