‘Centro de la identidad humana’: exposición en el Met conecta el cuerpo con el instrumento musical | Exhibición

La música está en el corazón de lo que nos hace humanos. Si bien existe un debate sobre las razones exactas por las que hicimos música por primera vez (con teorías destacadas que sostienen que la música surgió con el propósito de cazar, comunicar, practicar espiritualmente y forjar vínculos comunitarios), lo que no se discute es que hacer música es algo que hacemos profundamente, estableciendo una relación íntima con nuestros instrumentos.

La nueva y emocionante exposición del Met Agencia de música analiza 4.000 años de historia musical y revela una red compleja e interconectada de sonidos producidos a través del cuerpo humano y los numerosos instrumentos que utilizamos para modificar y mejorar esos sonidos. Desde cantos, silbidos y percusiones corporales hasta una variedad de objetos construidos, esta actuación es una rica exploración de cómo nuestras identidades musicales contribuyen a las ideas sobre lo que significa ser humano.

Según el curador de la exposición, Bradley Strauchen-Scherer, todo comenzó cuando el Met estaba renovando sus galerías, lo que significó que Strauchen-Scherer tuvo que transportar físicamente a mano los aproximadamente 600 instrumentos musicales de la institución. “Por supuesto, como curador, uno conoce bien su colección”, dice Strauchen-Scherer, “pero después de sostener cada uno de estos instrumentos en mis manos y mirarlos de cerca, comencé a pensar en el hilo común que conecta todo esto”.

Los hilos abarcan miles de años de historia humana y los seis continentes del mundo, desde tambores africanos hasta campanas del antiguo Egipto, la guitarra andrógina de Prince, un violín renacentista de Alemania, un kangling tibetano y guantes MiMu Midi de última generación que traducen el movimiento en sonido.

Running Through Musical Bodies es una tesis implícita de que los instrumentos musicales que los humanos hemos creado a lo largo de los siglos son recipientes para nuestros anhelos; un sitio para que nuestras identidades e imaginaciones se desarrollen. En su construcción y diseño, absorben nuestro espíritu creativo, permitiendo que nuestra humanidad se derrame en ellos y tome forma en sus formas, decoraciones y sonidos distintivos.

Tomemos, por ejemplo, la “guitarra símbolo” de Prince, que encargó en 1993 y fue una parte importante de su presencia escénica. Pareciendo una combinación de una trompeta y los símbolos de Venus y Marte asociados con los géneros femenino y masculino, se dice que el ícono surgió de la disputa del sello discográfico de Prince: cambiar su nombre por el símbolo fue efectivamente una forma inteligente de salir de un contrato restrictivo con el sello discográfico.

Pero la realidad es mucho más complicada. Strauchen-Scherer dijo que el símbolo y la guitarra que lo acompaña fueron el resultado del proceso profundamente personal de exploración personal de Prince, que surgió de su energía creativa aparentemente interminable, combinando la evolución de género con sus actividades musicales creativas. “Incluso antes de la narrativa del sello discográfico, Prince trabajó estrechamente con sus productores para expresar la totalidad de hombres y mujeres en sus espectáculos”, dijo Strauchen-Scherer. “Hay letras hermosas de I Will Die 4 U – ‘No soy una niña / No soy un niño / Soy algo que nunca entenderás’ – eso lo resume todo”.

Cuando se habla de expresión personal, no hay nada más fundamental que nuestra voz, que Strauchen-Scherer compara con un instrumento musical superior: “La voz humana es el primer sonido que emitimos en la tierra, y en muchas culturas se considera algo a lo que aspiran todos los instrumentos”. También señala que es una práctica común que quienes aprenden a tocar un instrumento musical aprendan simultáneamente a cantar, ya que una base en la voz humana enriquece la interpretación.

Entre las voces representadas en Musical Bodies se encuentra el colectivo de hip-hop the Casa Beatboxcuya asombrosa habilidad para imitar baterías complejas solo con su boca es increíble. Efectivamente, en un esfuerzo por emular kits de batería que a menudo estaban fuera del alcance financiero de los primeros artistas de hip-hop que fueron pioneros en esta forma, los beatboxers descubrieron nuevas posibilidades para nuestro sonido. “Rompe fronteras porque hace que la gente reconsidere la voz humana”, dijo Strauchen-Scherer.

Otra voz fantástica es Molly Lewis, una campeona internacional de silbido cuyo talento musical llegó a una audiencia global en 2023 como parte de la banda sonora de la película Barbie. Aunque silbar como lo hizo Lewis es una forma de arte en sí mismo, Strauchen-Scherer dice que los humanos primero silbaron por razones prácticas. “Al principio la gente silbaba para comunicarse entre sí”, dijo. “Es un sonido que puedes escuchar cuando te extiendes.

El talento vocal de Lewis añade un telón de fondo emocionalmente rico y caprichoso a las conmovedoras escenas en las que las películas de Barbie destacan a Ruth Handler (interpretada por Rhea Perlman), la creadora de la primera muñeca Barbie. La elegante y elegante voz de Lewis crea un contrapunto convincente a los movimientos entrecortados del beatboxing, mostrando cuán diversa es la voz humana.

Una de las subsecciones más amplias de El cuerpo de la música documenta cómo los instrumentos musicales han sido durante mucho tiempo parte del cortejo, e incluso cómo desempeñan un papel en el acto sexual en sí. En las manos adecuadas, estos dispositivos tienen un gran peso simbólico, e incluso el simple hecho de sostener uno –y mucho menos jugar con él– puede ser un acto que rompe la norma.

Tomemos, por ejemplo, el grabado en madera japonés titulado Bun’ya no Asayasu, creado por el prolífico artista del siglo XIX Utagawa Kunisada. El vídeo muestra a una mujer sosteniendo sugerentemente una shakuhachi (una gran flauta japonesa) en la boca, con una expresión feliz en su rostro. Según Strauchen-Scherer, una mujer que sostenía una flauta así se consideraba bastante atrevida en aquella época.

“En la cultura japonesa, como en la cultura occidental hasta el día de hoy”, explica, “tocar instrumentos musicales como flautas y flautas dulces, cualquier cosa en la boca se consideraba tabú y muy sugerente sexualmente para las mujeres. Quiero decir, la jerga también estaba ahí; piense en la expresión ‘tocar la flauta de cuero'”.

Luego está el famoso cuadro El músico, del artista holandés del siglo XVII Bartholomeus van der Helst, uno de los retratistas más famosos de la edad de oro de la pintura holandesa. El significado implícito de la pintura, que muestra a una mujer afinando un instrumento musical para tocarlo, es bastante claro, dijo Strauchen-Scherer. “Estaba afinando el arpa y casi se le cae el vestido”, dijo. Afinar un instrumento musical es una alegoría muy conocida del calentamiento.

En última instancia, Strauchen-Scherer espera que el público salga de Musical Bodies con una nueva apreciación por la música, lo que por supuesto puede darse por sentado cuando está pegada como papel tapiz en casi todas las tiendas y cafeterías, y cuando la canalizamos constantemente hacia nuestros oídos a través de servicios de streaming. “Espero que esto vuelva a centrar la música en la gente”, dijo. “Quiero que el público vea la música como algo esencial para la identidad humana, lo que hacemos. La música es para todos nosotros porque somos los instrumentos”.