Ryusuke Hamaguchi sobre el cuidado y la compasión

Ryusuke Hamaguchi ha mostrado a menudo una fascinación por el intercambio de ideas como forma de proceso, negociación y exploración, ya sea en los talleres de teatro en conducir mi coche o las volátiles reuniones municipales con promotores en El mal no existe. La conversación es acción. Las reuniones de personal y las sesiones de formación son una gran parte de la vida del autor japonés. De repente (De repente), ambientada principalmente en un centro de atención para personas mayores de París dirigido por una mujer cuyo enfoque de tratamiento progresivo choca con la realidad de la escasez crónica de personal y la gestión basada en los resultados.

La pregunta subyacente de la película es si el cuidado y la compasión individuales pueden sobrevivir al declive demográfico del capitalismo tardío. A medida que se acelera la concentración de la riqueza, los sectores con fines de lucro pagan menos, lo que inevitablemente conduce a menores tasas de natalidad y escasez de mano de obra en los servicios de salud necesarios para atender a una población que envejece.

Si eso suena un poco seco, bueno, lo es, especialmente cuando se presenta como una conversación informal entre amigos, completa con diagramas, gráficos y viñetas en una pizarra. Pero Hamaguchi tiene su propia metodología de estilo documental, y para el público con la paciencia necesaria para pasar una primera hora tranquila y muy locuaz, De repente evoluciona hacia una conmovedora afirmación de los derechos humanos básicos de respeto y dignidad. Será tema de debate si justifica el tiempo de ejecución de tres horas y cuarto. Pero de cualquier manera, la recompensa vale la pena.

Las películas sobre la demencia se han multiplicado en los últimos años, pero esto se siente diferente en su gentil observación de pacientes ancianos con discapacidad cognitiva y sus respuestas a los tenaces esfuerzos de dos mujeres decididas a brindar consuelo e incluso alegría a los años crepusculares de esas personas mayores. Cualquiera que tenga experiencia con padres o familiares afectados por enfermedades similares quedará profundamente conmovido por el desarrollo de la película.

Marie-Lou Fontaine (Virginie Efira) es directora de “El jardín de la libertad”, una franquicia de residencias de ancianos en las afueras de París. Se le ha dado una libertad inusual para administrar la instalación siguiendo los principios de un sistema basado en la compasión llamado “Humanitud”. Pero muchos miembros del personal están resentidos por esa libertad, en particular la franca enfermera Sophie (Marie Bunel), cuyo empleo allí se remonta a cuando era un hospital psiquiátrico.

Sophie y otros sostienen que la cantidad de tiempo y atención individual requerida para hacer las rondas diarias de pacientes según las pautas de Marie-Lou no es realista, lo que significa que el personal del turno de la mañana pasará el trabajo inacabado a sus colegas de la tarde, ya sobrecargados, por no hablar de los seminarios de capacitación obligatorios que se llevan a cabo tres veces al año y que agotan las filas de los que están de servicio. También argumentan que la importancia otorgada a la “verticalidad”, incitando a los pacientes a caminar todos los días, simplemente aumenta el riesgo de caídas.

Es mérito del guión que los detractores no sean sólo opositores intransigentes al cambio; en cambio, son profesionales pragmáticos conscientes de los recursos limitados que tienen a su disposición y desconfiados de lo que ven como una revisión inviable del programa de tratamiento.

Es revelador que, mientras Humanitude alienta a los cuidadores a usar su propia ropa informal e interactuar a nivel personal con cada paciente, Sophie y otros que se resisten insisten en usar uniformes de enfermeras y realizar su trabajo con la enérgica eficiencia que estaba arraigada en su formación profesional.

Mientras contempla sus batallas en un tranvía, Marie-Lou ve a un niño corriendo por el costado de la carretera, aparentemente fuera de control. Ella se baja para asegurarse de que esté bien y lo sigue hasta un parque donde espera con él que pase un aguacero repentino. Cuando los tutores del niño no verbal lo rastrean a través de una aplicación de GPS en sus teléfonos, ella descubre que su nombre es Tomoki (Kodai Kurosaki) y que su autismo lo hace propenso a comportamientos impredecibles.

Los extraños agradecidos son Mari (Tao Okamoto), una directora de escena experimental, y Gorô (Kyozo Nagatsuka), el padre de Tomoki y actor en la pieza solista de Mari.

Invitada por ellos, Marie-Lou va a ver la producción, una reflexión ambientada en un hospital sobre el desmantelamiento de los asilos, que ofrece una perspectiva diferente sobre el tratamiento de las enfermedades mentales. Los miembros del público reciben instrumentos de percusión con los que interactuar y, en la mayoría de las actuaciones, Tomoki se convierte en parte del espectáculo. “Lo imposible es imposible, pero sólo hasta que se vuelve posible”, dice Gorô, proporcionando una versión resumida del mensaje de esperanza y perseverancia de la película.

Al reconocer algunos de los temas de la obra de su propio trabajo, Marie-Lou se queda para charlar con Mari y las dos mujeres pasan una larga noche juntas caminando y hablando, y su amistad florece instantáneamente. Marie-Lou habla japonés con fluidez, ya que obtuvo su título de antropología en Tokio, mientras que Mari, que domina el francés con igual fluidez, estudió filosofía en la Sorbona.

Sus antecedentes reflejan los de Makiko Miyano y Maho Isono, autores cuyas cartas recopiladas sobre enfermedades y cambios abruptos en la salud se publicaron en el libro de no ficción que inspiró vagamente el guión de Hamaguchi y Léa Le Dimna.

Marie-Lou comparte su frustración por las tensiones en el trabajo, mientras Mari revela, con total ausencia de autocompasión, que tiene un cáncer terminal y que su condición podría empeorar drásticamente en cualquier momento. Mari comienza a pasar tiempo en la residencia, donde Marie-Lou la anima a involucrar al personal y a los pacientes en sencillos ejercicios de confianza. El vínculo entre las dos mujeres se vuelve casi espiritual y los cuidadores parecen absorber su positividad por ósmosis.

Sólo un director tan elegante como Hamaguchi podría reunir un testimonio del consuelo de la amistad femenina, un estudio minuciosamente detallado del lugar de trabajo, una consideración de la compasión como forma de resistencia y una meditación conmovedora sobre la mortalidad.

Como siempre ocurre con Hamaguchi, la película está salpicada de momentos luminosos de conexión humana, ya sea el simple placer de Marie-Lou de despertarse de una siesta al sol bajo un árbol en el jardín, compartir un cigarrillo con la luchadora paciente Mireille (Évelyne Istria), o la distensión de Marie-Lou con Sophie, cuyo respeto entre otras enfermeras y asistentes significa que si ella se fuera, otros la seguirían.

Efira ha ido viento en popa desde que surgió la actriz belga: su trabajo en Rebecca Zlotowski Los hijos de otras personas es especialmente notable, y su ternura natural brilla aquí, incluso cuando los momentos de fricción la hacen mostrar un lado frágil o inclinarse hacia el agotamiento.

Está bien emparejada con la modelo convertida en actriz Okamoto (muy vista en el glotón y en arcos en mundo occidental y Aníbal), cuyo semblante tranquilo contradice la conciencia de su mortalidad. Marie-Lou la acompaña a Kioto, donde Mari planea ingresar en un hospicio. (Una escena en la que se sientan en la ladera de una montaña contemplando una amplia vista de la ciudad mientras comen fideos es encantadora).

Pero Marie-Lou la convence de regresar a París y ocupar un puesto de artista residente en la residencia, dándole un sentido de propósito al tiempo que le queda, incluso si sus fuerzas están agotadas. Quizás el momento de mayor satisfacción para Marie-Lou sea cuando un colega le dice que los talleres de Mari parecen beneficiar aún más al personal que a los pacientes.

De repente Es una película extraña pero audaz en la forma en que favorece lo temático sobre lo dramático. Aquellos que no estén en sintonía con la longitud de onda de Hamaguchi pueden encontrarla demasiado estirada y reseca. Pero si puedes sumarte a su ritmo pausado, hay una belleza trascendental en su visión de que todas las vidas tienen valor, sin importar cuán disminuidas estén. Como dice Marie-Lou: “Una mano inerte no es una mano muerta… hay vida hasta que no la hay”.