Devil Wears Prada 2 Escritor sobre Fan Service, Moda y Meryl Streep

Aline Brosh McKenna siempre pareció consciente de que escribir una secuela de El diablo viste de Prada Sería una pista peligrosamente estrecha para caminar. Probablemente por eso, hace apenas tres años, la idea no le entusiasmaba mucho. Pero cuando Meryl Streep dice que está pensando en volver a interpretar uno de sus papeles más famosos, ¿qué debe hacer un guionista?

Fueron necesarios 20 años después de que lanzaron una de las comedias más impactantes del siglo XXI para que toda la banda volviera a estar junta. Pero, como dice McKenna, una vez que conoció a Streep… las cosas cambiaron muy rápido. “La opinión de Meryl es enormemente importante”, dice McKenna, cuyos otros créditos incluyen 27 vestidos, Morning Glory, compramos un zoológico y exnovia loca. “Y cuando dijo que estaría dispuesta a escuchar algunas ideas, en ese momento ya habíamos acumulado muchas de ellas.

Durante un episodio reciente de El reportero de Hollywood podcast Estoy teniendo un episodio (Spotify, Amazon Music, Apple), McKenna habló sobre la construcción del mundo tremendamente diferente pero igualmente glamoroso de El diablo viste de Pradahabló sobre cómo han envejecido los elementos del original y por qué un “Eso es todo” fue suficiente.

Cuando hablamos a principios de 2023, Emily Blunt y Anne Hathaway realmente estaban impulsando la idea de una secuela. Te pregunté si estabas interesado y dijiste: “En realidad, no”.

¡Lo sé! Fue justo cuando comencé a pensar en ello. Sigo esas tres industrias: periodismo, moda, publicaciones, todos los campos que amo y en los que tal vez, en otro mundo, habría trabajado. A medida que esos campos se pusieron patas arriba, siempre me he preguntado. “¿Qué están haciendo estos cuatro personajes en un mundo donde la forma de ganar dinero es diferente?” Los valores sociales de los lugares de trabajo han cambiado. El mundo acaba de cambiar mucho en 20 años. Luego comencé a llamar a David Frankel y decirle: “¿Sabes qué? Tengo algunas ideas”. Pero la clave, siempre, fue encontrar un lugar en el que Meryl estuviera entusiasmada con ello.

Entonces, ¿cómo se puede emocionar a Meryl Streep?

Quería conocer sus pensamientos temprano. Entonces estaba emocionado de ir a verla y hablar con ella al respecto. Dio la casualidad de que fuimos a verla una noche en que Lin-Manuel [Miranda] Estaba proyectándola en el teatro de Washington Heights para el que estaba recaudando dinero. Hacía años que no la veía en el cine. Y acabábamos de pasar el día hablando sobre dónde estarían estos personajes. Se sintió como un beso.

Vivimos en esta cultura donde existe la expectativa de que si a la gente le gusta algo (una serie, una película, un libro) se sienten con derecho a más. Y esto ha dado lugar a un gran trabajo. También ha generado mucho trabajo que tal vez no era necesario. Entre su colectivo, ¿cuál fue su barómetro para decidir que era necesario hacer la película, que no éramos nosotros simplemente alimentando la cultura del reinicio y las secuelas?

Soy un gran admirador de las películas de los años 30 y 40. Y si algo funcionaba, seguían haciéndolo. Incluso si fueran los mismos actores, incluso si fueran solo Hepburn y Tracy, si fuera algo a lo que el público respondiera, harían múltiples. La idea de que puedas tomar material existente, recombinarlo y actualizarlo no me ofende. Y, en este caso, no nos lo pidieron. El impulso no vino de Disney. El impulso fue Wendy. [Finerman]quien produjo el original, lo que nos hace saber que a Meryl le gustaría hablar sobre ello. Así que se sintió como si se construyera cualquier película. Surgió de una historia que estábamos emocionados de contar. No había nada cínico o calculado al respecto, excepto mi propio deseo como fan de volver a visitar esto.

Supongo que habrás pensado mucho a lo largo de los años.

He pensado en Miranda Priestly muchas veces durante los últimos 20 años. Cada vez que te encuentras en una situación un poco irritante… te piden un café equivocado o hay alguien sentado en tu asiento del avión. Siempre es divertido imaginar lo que Miranda tendría que decir.

Siempre hubo muchas expectativas sobre este proyecto, pero ¿estaba preparado para el escrutinio durante la producción? Parecía como si las fotos de los paparazzi del set del verano pasado fueran un evento de ese tipo.

No anticipé eso. Generalmente no he trabajado en cosas que se anticiparon mientras las hacíamos. Nadie estaba parado emocionado por 27 vestidos. Es una circunstancia completamente diferente. Pero realmente me sorprendió la multitud. Estuvimos filmando durante el verano. Hacía buen tiempo. Estábamos por toda la ciudad. Incluso si la gente no lo hubiera buscado en línea, a veces simplemente pasaban y lo veían. Se sentía tan neoyorquino. Todos anhelamos una experiencia comunitaria. Esa película es una experiencia compartida, un recuerdo compartido de una época en la que las cosas eran diferentes. Había más bien un monocultivo. Hay un anhelo de un sentimiento de solidaridad y comunidad y que todos hablen de la misma película. Eso es algo a lo que aferrarse.

¿Cómo impacta la novedad de tal anticipación en el proceso de escritura? ¿Hasta qué punto estás considerando la necesidad de incluir fan service, pero sin dejarte llevar por ello?

A mí me gusta cuando algo suena como fan service, pero no es necesario que lo sepas. [that’s what it is]. No es necesario haber visto la primera película para disfrutar de esta película. Y si consigues la referencia y recuerdas de dónde viene, genial. En cierto modo, eso hace que las referencias sean más divertidas. Este es un amigo. Si lo consideras como un amigo que has tenido durante 20 años, tienes chistes privados; un ejemplo es “Eso es todo”, que se convirtió en un eslogan generalizado. Como un pequeño huevo de Pascua, creo que sólo decimos “Eso es todo” una vez. Pensamos mucho en dónde poner ese “Eso es todo”.

Si la memoria no me falla, la película original fue al menos en algún momento etiquetada erróneamente como una comedia romántica. Está muy claro que no lo es. ¿Cómo lo ves, en términos de género?

Definitivamente he escrito comedias románticas tradicionales. Creo que es el tono, el tipo de optimismo y comedia que asocias con la comedia romántica. Así que siempre ha tenido un pequeño matiz de eso. Pero las mujeres en el lugar de trabajo son una verdadera fascinación para mí. Siempre lo ha sido. Acabo de leer la biografía de Claire McCardell, la diseñadora. Estoy leyendo la biografía de Judy Bloom ahora mismo. Sencillamente, creo que fueron modelos para mí. Son esas historias, esas películas: chica trabajadora, noticias transmitidas, incluso aquellos que no son sobre protagonistas femeninas. Tootsie Es una película extremadamente importante para mí. Y es una comedia en el lugar de trabajo en muchos sentidos. Se trata de alguien que necesita un trabajo. Siempre anhelé esas historias tanto como Jane Austen, Edith Wharton y Charlotte Brontë. Me encanta la idea del lugar de trabajo como un teatro para las emociones y la moralidad.

¿Qué tan consciente eres de la marca cuando escribes la parte de moda de esto? Las marcas que aparecen en la película son una gran parte de ello. ¿Estás pensando en LVMH mientras lo escribes?

No. Aunque en esta película definitivamente usamos más diseñadores reales. Tuvimos que inventar un diseñador en la primera película, algo así como por necesidad. La idea es siempre mirarlo desde una perspectiva externa. Así es como lo veo. Soy una chica de Nueva Jersey. Una de mis caricaturas neoyorquinas favoritas es una mujer que lleva una camiseta que dice DKNJ. El título dice “La pesadilla de Donna Karen”. Siempre me sentí muy vista por eso porque crecí tratando de urracar juntos algo fabuloso para mí. Esta película no es un anuncio. Esto no respalda ningún diseñador o sensibilidad de diseño en particular. Si bien es muy importante ser auténtico, no es una película de hacer clic y comprar.

Ha habido una verdadera reformulación del personaje de Adrian Grenier en la primera película como una especie de villano. ¿Cuál es tu lectura sobre eso?

Me han preguntado mucho sobre eso. Mi experiencia al venir a Nueva York fue que había mucha sensibilidad sobre venderse si estabas en una comunidad creativa. Eso es menos frecuente ahora. Probablemente sea más frecuente en la Generación X que entre los millennials en general. Pero cuando comencé, tenía muchas ganas de escribir comedias comerciales. Eso es lo que me encantó. Y recuerdo haber sentido, a principios de los 90, “Dios mío, ¿soy un vendido?” Ciertamente hubo gente que me dijo que sí. Y realmente no creo que puedas impugnar [Nate’s] motivaciones. Se está convirtiendo en una persona diferente con valores diferentes a los de la persona con la que sale. Él está allí para recordarle que es una historia de Fausto y que se está yendo por el desagüe. Para eso está allí. Quería crear a alguien que tuviera esa increíble ferocidad de pureza que tienes cuando tienes 20 años. El personaje de Nate es una especie de avatar de alguien que entiende que Andy está superando sus límites morales. Ese es su papel en la historia. Es interesante para mí que se haya tomado esa luz, pero la idea de venderse realmente ha cambiado. Estamos en un mundo donde el clima económico es tal que es muy difícil sobrevivir. Pasamos del “No te agotes” al “Coge tu bolso, niña”.

La película original tenía una de las escenas de cambio de imagen más memorables del cine. Ese fue un pilar de mi asistencia al cine durante años. Ya no vemos montajes de cambios de imagen. ¿Cuál es tu opinión sobre eso?

Es un cambio de imagen interesante en Prada porque no es “de hogareño a sexy”. Es “pasado de moda a estar de moda”. Una de las cosas que me encanta de la moda es que algunas de las cosas que una sociedad patriarcal les dice a las mujeres (un pecho grande, por ejemplo) la moda las rechaza. Hay cosas que son estereotípicamente deseables y que la moda cambiará. Como hace cinco años, todo el mundo llevaba pestañas postizas, ¿verdad? Ahora todos los shows de esta temporada, sin rímel. Hay un tipo de cambio de imagen en el que tomas a una mujer y la transformas de un objeto de mirada femenina a un objeto de mirada masculina. Eso realmente no era lo que hacía la primera película. No la hacía más sexy. Le estaba dando las llaves de esta habitación cerrada.

Mucho ha cambiado estéticamente en la moda entre las dos películas.

Me parece interesante y, en última instancia, divertido cómo cambian estas cosas. Cejas espesas, cejas finas, sí, ¡pestañas! ¡Sin pestañas! Cintura caída, cintura alta. Siempre están en movimiento estos pequeños barómetros de estilo por todas partes. Pero, en el caso de la moda, obviamente se trata de atractivo sexual, pero tampoco lo es. Se trata de entender lo que significa una silueta. ¿Qué significaba una cintura caída en la década de 1920? ¿Qué significan las hombreras grandes en los años 80? Hemos visto el regreso de cantidades masivas de volumen en los últimos años. ¿Qué significa eso? Ahora las cosas están volviendo a adelgazar.

No me digas eso. Realmente he exagerado con los pantalones anchos.

Bueno, ¡también se lo hacemos a los hombres! Los hombres se mueven muy lentamente en cuanto a siluetas.

Antes de dejarte ir… ¿El El diablo viste de Prada 2 ¿Saldrá el 1 de mayo y te invitará a la Met Gala tres días después?

Lo dudo mucho, mucho. (risas.) Quiero decir, que es un buen ejemplo de lo que hicimos con la primera película. Teníamos una versión del Met Ball y no creo que todos supieran qué era en ese momento. Eso es el Super Bowl o los Oscar para mucha gente. La gente se sienta con sus palomitas de maíz para observar las llegadas. Estaré observando.